C’est l « été, le temps des voyages et la haute saison de la photographie de nature et de voyage. Les appareils photo numériques sont de plus en plus performants et faciles à utiliser. Cependant, il est parfois décevant de constater qu’une photo, par exemple d’une ruelle d’une ville historique, est partiellement sous-exposée avec d » énormes zones d’ombre, ou que les toits et le ciel sont extrêmement surexposés. Bien qu’il soit possible de revoir l’image immédiatement sur l « écran de l’appareil photo, le problème ne peut souvent être résolu qu » à la maison, dans le flux de travail de post-traitement, et il peut alors être trop tard pour corriger l’image afin d’obtenir une belle photographie.

Les photographes expérimentés peuvent gérer des plages dynamiques de 10 à 11 EV

De nombreuses photos de voyage et de paysage présentent un contraste très élevé. La « plage dynamique » est le terme qui désigne la plage d’intensité lumineuse allant des ombres les plus sombres aux hautes lumières les plus brillantes. Elle est mesurée en « valeurs d’exposition » (EV), également communément appelées « stops ». Nos yeux sont capables de s’adapter à des scènes très contrastées, mais la plage dynamique du capteur d’un appareil photo numérique est limitée. Malheureusement, la plage dynamique des écrans, du papier photographique ou des tirages est encore plus limitée. Une plage dynamique d’une image d’environ 8 à 9 EV ne pose généralement pas de problème. Les photographes expérimentés peuvent très bien gérer des plages dynamiques de 10 à 11 EV avec des réglages d’exposition précis et avec l’aide d’écrans calibrés. Mais qu’en est-il des scènes très contrastées avec une plage dynamique de 14 EV et plus ? La photographie de paysage, en particulier, offre un large éventail de scènes à fort contraste : couchers de soleil idylliques au bord de la mer, photographies à contre-jour ou scènes en haute montagne.

Une règle importante en photographie est d « éviter les contrastes élevés. De nombreux photographes professionnels de paysages ne prennent leurs photos que tôt le matin ou entre la fin de l’après-midi et le soir, car la lumière y est beaucoup plus douce. Les ombres longues peuvent être évitées lorsque le soleil est dans le dos du photographe. Dans la photographie à contre-jour, les sujets de premier plan doivent être placés devant un arrière-plan sombre, car le contraste élevé n’est reconnaissable que par une petite frange de lumière autour du sujet de premier plan. Les ombres longues peuvent être merveilleuses pour la photographie créative, mais l’image finale doit également offrir suffisamment de détails dans les zones d’ombre. La plage dynamique d’une scène peut être simplement vérifiée à l’aide de l’histogramme de luminosité sur l » écran arrière de l’appareil photo ou calculée manuellement à l’aide de la mesure du contraste. Si la plage dynamique d’une scène ou d’un sujet dépasse 10 ou 11 EV, le photographe devrait probablement essayer l’une des approches suivantes.

Filtres gradués

Le filtre gradué est un outil classique pour traiter les scènes à fort contraste comme les chaînes de montagnes alpines. Le filtre gradué permet d’exposer correctement le ciel, tout en donnant au premier plan suffisamment de lumière pour éviter la sous-exposition. Il existe des filtres gris ND, mais aussi des versions colorées de filtres gradués avec des nuances de couleurs principalement orange ou rouge. Les filtres gradués étaient très importants pour la photographie argentique. De nos jours, la photographie numérique offre de meilleures technologies telles que le bracketing, le HDR ou la poussée RAW et les filtres gradués perdent progressivement de leur importance.

Bracketing/HDR

Le bracketing et le HDR sont des technologies permettant de contrôler les scènes à fort contraste sur la base de prises de vue successives avec différents paramètres d’exposition. Les images HDR sont automatiquement combinées par l’appareil photo en une seule image à gamme dynamique élevée. Le bracketing (ou plus précisément : « autobracketing ») est une fonction qui permet à l’appareil photo de stocker plusieurs prises de vue séparément afin de les combiner ultérieurement dans le flux de travail de post-traitement. Le HDR crée souvent des images à l’aspect et à la sensation artificiels, parfois même avec un résultat en relief. La méthode de l’autobracketing prend beaucoup plus de temps, mais elle permet d’obtenir d’excellents résultats. Les appareils photo avancés offrent des fonctions sophistiquées de bracketing automatique. Il est possible de régler le paramètre d’exposition avec une précision de 1/3 EV et le nombre de prises de vue successives. Un réglage de base pourrait être, par exemple, trois prises de vue avec une différence de 1 EV. La méthode de bracketing ne nécessite pas nécessairement l’utilisation d’un trépied. L’appareil photo doit être réglé en mode de prise de vue en continu (ou « mode rafale ») et l’appareil photo gère automatiquement les paramètres du bracketing automatique (dans cet exemple, 3 prises de vue avec -1/0/+1 EV). Dans le flux de travail du post-traitement, les différentes expositions peuvent être importées automatiquement et positionnées avec précision, par exemple dans Photoshop, sous forme de calques séparés. La dernière étape consiste à mélanger manuellement les différentes expositions à l’aide des outils de sélection appropriés du logiciel de retouche d’images. L’avantage : le photographe contrôle totalement la scène à fort contraste et obtient d’excellents résultats. Parfois, si nécessaire, il peut même prendre jusqu’à 7 photos différentes avec une différence d’exposition de 1/3 EV. Inconvénients : cette méthode peut prendre beaucoup de temps et ne convient pas aux sujets en mouvement, comme les vagues, les arbres et le vent fort, ou les personnes et les animaux présents dans la scène.

Exemple de photo, bateaux de pêche au coucher du soleil, lac Malawi : Autobracketing, 3 expositions -1/0/+1 EV, combinées manuellement dans Photoshop

Traitement RAW Dynamic Range Push

Les capteurs photo avancés des appareils photo numériques offrent une plage dynamique extrêmement large, allant jusqu’à près de 15 EV. Cette incroyable plage dynamique est possible parce que ces capteurs offrent un niveau de bruit très faible et que les zones d’ombre d’une photo peuvent être fortement accentuées sans perdre trop de qualité d’image. Cependant, cela ne s’applique qu’aux fichiers RAW. Les photographes qui utilisent des fichiers JPEG ne peuvent pas bénéficier de la large plage dynamique RAW d’un capteur avancé. L’approche est assez simple : l’exposition est ajustée aux hautes lumières de la scène à fort contraste.

En conséquence, les ombres des scènes sont sous-exposées, parfois même très sous-exposées (presque noires). Avec l’aide du convertisseur RAW, seules les ombres sont poussées jusqu’à 4 ou 5 EV. Le résultat est une image correctement exposée avec des détails dans les zones d’ombre et de lumière (comparable au bracketing …). Les avantages : c’est une méthode très simple, qui ne nécessite pas de trépied, ni de bracketing, et qui permet également de photographier des sujets en mouvement (ce qui est particulièrement important pour les photographes animaliers). Mais il y a aussi des inconvénients : la large plage dynamique de près de 15 EV n’est disponible qu’à 100 ISO, les valeurs ISO plus élevées réduisant progressivement la plage dynamique disponible. En outre, l’image sur l’écran du viseur de votre appareil photo est souvent très sombre, ce qui signifie que vous devez parfois prendre une photo de contrôle avec une exposition normale pour corriger les couleurs ultérieurement lors du post-traitement. Il est également important de savoir que les zones d’ombre de l’image ont un niveau de bruit plus élevé que les zones de lumière en raison du processus de poussée (visible uniquement dans la vue à 100 %). En général, cela ne devrait pas poser de problème majeur, mais dans des cas extrêmes, il est possible que des agences de photos d’archives (etc.) refusent des images parce que le niveau de bruit est trop élevé, même si l’image semble correcte en vue normale.

Les technologies ci-dessus sont des approches courantes de tout photographe de paysage professionnel, mais avec un peu de pratique, les conseils et les astuces conviennent aussi facilement aux photographes amateurs. Il est très important d’avoir une idée de la gamme dynamique d’une scène. Les appareils photo avancés offrent des outils tels que l’histogramme ou des instruments d’avertissement pour la sous-exposition et la surexposition. En conséquence, les expositions incorrectes sur des images très contrastées devraient finir par disparaître et les photographes de paysage pourront, espérons-le, profiter de leur temps de voyage sans autre déception.

Vous manquez d’idées cadeaux pour vos proches les plus créatifs ? Datacolor est là pour vous aider ! Que vous souhaitiez faire plaisir à un créateur de contenus, à une photographe, à un vidéaste ou à une designer, nos produits leur permettront de faciliter leur travail et de simplifier leurs workflows en leur faisant gagner un temps précieux et économiser bien des efforts. Il s’agit d’outils au service de la créativité, qui permettent de gérer les couleurs pour obtenir des teintes parfaites, de capturer des photos et vidéos dans leurs moindres détails, de créer des impressions parfaites et de partager ses contenus exactement tels qu’ils avaient été imaginés.

Les derniers étalonneurs Spyder et SpyderPro – une édition plus précise et une confiance complète dans vos couleurs sur les moniteurs les plus récents

Nos deux Spyder permettent d’étalonner les moniteurs en 90 secondes seulement, et d’assurer la précision, la cohérence et l’optimisation des couleurs sur les technologies d’affichage les plus récentes, comme l’OLED, le Mini-LED et la technologie Apple Liquid Retina XDR. Les créateurs de contenus apprécieront particulièrement la technologie Device Preview Beta, disponible sur le Spyder comme sur le SpyderPro, qui simule l’aspect qu’auront vos photos sur les smartphones et tablettes les plus récents.

Grâce aux cibles vidéo incluses (Rec. 709 et Rec. 2020), le SpyderPro est parfaitement adapté aux vidéastes et aux créateurs hybrides photo/vidéo. La fonction StudioMatch permet l’étalonnage de deux moniteurs côte-à-côte, assurant une reproduction précise des couleurs sur différents écrans ou ordinateurs connectés.

Mires de couleurs Spyder Checkr (Spyder Checkr, Spyder Checkr 24, Spyder Checkr Photo et Spyder Checkr Video) : des couleurs précises dès la capture

La famille de produits Spyder Checkr propose une méthode facile et rapide pour étalonner les couleurs de votre appareil et assurer des couleurs cohérentes et précises, dès la capture. Elle assure une constance parfaite entre vos différentes combinaisons d’appareils, d’objectifs et de capteurs.

La mire Spyder Checkr donne accès à des couleurs de référence lors de chaque séance, et le logiciel Spyder Checkr corrige automatiquement vos images grâce à un préréglage HSL utilisable dans Adobe Lightroom Classic®, Adobe Camera RAW® ou Hasselblad Phocus®, pour une correction parfaite.

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Spyder Cube – Cet outil de référence facile à transporter et à utiliser vous permet de régler, dès le début de votre travail d’édition, vos valeurs d’exposition, de balance des blancs, de point noir, de point blanc et de contraste.

Parfaitement adapté à la photo et à la vidéo, son design tridimensionnel unique diffère des mires de gris traditionnelles. Il vous permet de saisir l’éclairage réel de votre sujet et de repérer les sources lumineuses primaire et secondaire, pour une correction plus précise de la balance des blancs.

Cet outil essentiel assure une correction précise des ombres et des hautes lumières, et corrige instantanément les couleurs de vos images en établissant une température de couleur qui neutralise la source lumineuse utilisée. Il inclut également un piège à lumière offrant une référence de noir absolu, pour établir le point noir réel de votre image, ainsi qu’une bille chromée qui vous donne accès aux reflets spéculaires.

Spyder Print – Outil d’étalonnage et d’analyse avancée pour l’optimisation des résultats d’impression.

L’outil idéal pour les photographes, les designers numériques et les artistes qui désirent des profils d’impression parfaitement adaptés à leur modèle d’imprimante et au type de papier utilisé. Il assure une continuité parfaite de l’écran à l’impression et permet de créer un profil personnalisé pour chaque combinaison d’encre et de papier pour des résultats d’impression plus précis. Le logiciel Spyder Print crée un profil adapté, conforme aux normes ICC et entièrement modifiable, pour une reproduction ultra-précise des couleurs de vos fichiers. Il réduit également le gaspillage d’encre et de papier lié à l’impression répétée d’images test lorsque vous cherchez à optimiser les performances de votre imprimante.

Kits Spyder – Des solutions complètes, économiques et adaptées pour la gestion des couleurs

Nos kits Spyder sont adaptés aux novices comme aux professionnels. Ils proposent des outils de gestion des couleurs qui vont de la capture à l’édition, l’affichage et l’impression.

Kit Spyder Photo/Video – La solution tout-en-un ultime pour un contrôle précis des couleurs en photo et en vidéo, de la capture jusqu’à l’édition.

Ce kit polyvalent inclut tous les outils nécessaires aux photographes, vidéastes, créateurs hybrides, créateurs de contenus et designers numériques. Il inclut l’étalonneur SpyderPro, le Spyder Cube, le Spyder Checkr Video et le jeu de mires Spyder Checkr Photo, pour un travail précis et flexible des couleurs.

Spyder Print Studio – Une gestion complète des couleurs pour votre travail photo, de la capture jusqu’à l’édition et à l’impression.

Il apporte une assistance inestimable aux photographes, aux designers numériques et aux imprimeurs en les aidant lors de la capture, de l’édition et de l’impression. Il inclut l’étalonneur SpyderPro, le Spyder Cube et les outils Spyder Print, pour une gestion des couleurs inégalée.

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Dans la lumière automnale, vous vous demandez peut-être ce qui se cache dans l’ombre, ou si cette silhouette, au loin, est dangereuse… Mais rassurez-vous : dans le domaine de la photo, les ombres et les silhouettes n’ont rien d’effrayant !

Définissons quelques termes. En photographie, les ombres aident à apporter de la texture, de la profondeur ou de l’équilibre à un sujet ou à une scène. Une ombre peut avoir des limites nettes ou douces et aller de la quasi-transparence jusqu’à une opacité presque totale.

Le terme de « silhouette », quand à lui, désigne la forme d’une personne, d’un objet ou d’une scène, dont les bords nets sont soulignés par le contraste entre ombre et lumière. Il est également possible de créer des silhouettes partielles, lorsque l’un des côtés du sujet est éclairé tandis que l’autre demeure dans l’obscurité.

Les ombres et les silhouettes permettent d’ajouter une dose d’ambiance et de mystère à vos images et d’intriguer le spectateur. Voici donc quelques conseils d’expert qui vous aideront à obtenir les résultats que vous désirez.

Sélection du sujet

• Bien qu’il n’existe aucune limite réelle en termes de sujet, un certain nombre de paramètres doivent être pris en compte. Lorsque vous photographiez des silhouettes, gardez en tête que le contour et la forme de votre sujet doivent être faciles à identifier.
• Prêtez attention à l’espace situé entre votre sujet et les autres éléments à l’image, et assurez-vous que les contours soient nets et reconnaissables. Cet aspect est particulièrement important si vous devez photographier une groupe de personnes. L’espace entre les gens doit alors être suffisant pour permettre de distinguer les différentes silhouettes.
• Vous pouvez envisager de prendre une vue de profil pour intégrer les traits du visage à votre image et éviter qu’ils se perdent en capturant la silhouette de face.

Composition

• On le dit souvent : chaque image raconte une histoire. C’est également le cas pour les ombres et les silhouettes. Déterminez ce que vous voulez raconter avec votre photo, et décidez de l’ambiance que vous désirez communiquer : mystère, drame, netteté, douceur…
• Bien évidemment, les éléments fondamentaux de la composition photographique continuent de s’appliquer : veillez à bien équilibrer les espaces et les détails afin d’éviter toute surcharge visuelle, assurez-vous d’exploiter l’espace négatif, prêtez attention au positionnement du sujet (qui peut être une ombre ou une silhouette, dans notre cas), à l’angle et à l’intensité de la lumière, ainsi qu’aux lignes, aux formes, aux tons et à l’importance visuelle de chaque élément présent dans le cadre.
• Vous pouvez également envisager d’utiliser les ombres comme cadre visuel pour votre composition.

Lumière

• La lumière joue un rôle crucial dans la photographie d’ombres et de silhouettes. Une lumière considérée comme trop « dure » dans une autre image peut donner des résultats fantastiques dans ce contexte précis.
• La taille, l’angle, la proximité et la température de votre source lumineuse sont autant d’aspects qui peuvent affecter l’aspect et la qualité de vos ombres.
• Une lumière vive située directement derrière le sujet offrira une silhouette particulièrement nette.
• Plus la taille et la distance de la lumière sont importantes, plus les ombres seront douces.
• Une lumière chaude projettera une ombre froide, tandis qu’une lumière froide ou artificielle projettera une ombre chaude.
• Vous pouvez définir vos ombres en fonction de l’orientation que vous donnez à votre source lumineuse.
• Les moments précédant le lever ou le coucher du soleil sont particulièrement adaptés à la photographie de silhouettes en extérieur. Il est alors très simple de capturer votre sujet à contre-jour, avec un contraste très net vis-à-vis du ciel. Pour cela, placez votre sujet directement devant la zone la plus lumineuse.
• Une séance au lever ou au coucher du soleil vous permettra de profiter d’un soleil très bas qui projettera des ombres spectaculaires. Si vous souhaitez des ombres plus nettes, planifiez vos prises de vue en extérieur aux alentours de midi.
• En positionnant votre sujet au plus près de la source lumineuse et en réduisant le niveau d’ISO sur votre appareil, vous profitez d’une bonne exposition tout en approfondissant les ombres.
• Les éléments proposant des motifs répétitifs, comme les grillages ou les barrières, peuvent apporter un élément distinctif à la composition de vos ombres. N’hésitez pas à les utiliser si vous en trouvez.

Réglages de l’appareil

• Si possible, utilisez le mode manuel, avec des ISO réduits pour éviter d’éclaircir les ombres. Elles exprimeront ainsi toute leur richesse.
• Faites la mise au point sur votre sujet, mais ne mesurez pas sa luminosité : les valeurs devront être adaptées à celles de l’arrière-plan. Sous-exposez systématiquement. La sélection d’une obturation rapide vous permet d’améliorer le contraste et de préserver les détails.
• Une prise de vue en RAW vous permettra d’éditer plus facile vos images sous-exposées en post-production.
• Un objectif fixe adapté aux faibles luminosités, comme un 50 mm f/1.2 ou un 35 mm f/1.4 vous aidera à capturer la lumière, même quand vos yeux ne la voient pas.
• Si l’ombre est le sujet principal de votre image, le choix du noir et blanc peut vous aider à simplifier votre composition et à mettre en valeur toute la richesse des tons.
• Un trépied évite les mouvements lorsque vous travaillez dans des conditions de faible luminosité, et un filtre polarisant circulaire ajoutera de la profondeur, du contraste et de la saturation à votre arrière-plan.
• Utilisez une ouverture de f/8 ou moins lorsqu’une source lumineuse telle qu’un lever ou un coucher de soleil se trouve dans le cadre. Vous éviterez ainsi les aberrations chromatiques et la présence de couleurs le long des différents éléments de votre composition.

Photographe professionnel et contributeur Friend with Vision Datacolor, Jeff Cable travaille régulièrement sur ses projets personnels et pour des clients commerciaux. Il organise également des expéditions photographiques aux États-Unis et dans le monde entier. Mais il est surtout connu pour les photos qu’il prend pour le Comité olympique américain. Il a ainsi couvert les huit dernières olympiades à Pékin, Vancouver, Londres, Sotchi, Rio, Pyeongchang, Tokyo et, tout récemment, Paris. Jeff a accepté de partager certaines de ses impressions avec nous, ainsi que des photos exceptionnelles capturées à l’occasion des Jeux olympiques de Paris 2024.

Comment avez-vous débuté dans la photographie ?

Je suis tombée amoureuse de la photographie lorsque j’étais enfant. J’ai grandi dans une famille sportive et j’ai passé l’essentiel de mon enfance en montagne. Il y a neuf ans, j’ai réalisé que, plus que l’activité sportive elle-même, j’aimais avant tout la beauté des paysages qui m’entouraient. J’ai commencé à visualiser des compositions photographiques avant même de capturer des images. C’est là que tout s’est joué. Depuis l’achat de mon premier appareil, rien n’a su m’arrêter.

Quel type de photographie prenez-vous et qu’est-ce qui vous a motivé à vous concentrer sur ce genre ?

La photographie est un médium privilégié pour présenter non seulement un point de vue, mais une émotion, un moment parfait. La possibilité de partager ces instants, de les présenter à autrui, est l’un de mes aspects préférés. Si je n’avais pas ce moyen d’expression, il me serait sans doute impossible de communiquer mes passions, mes sentiments, tout ce que j’aime dans le monde qui m’entoure.

Quel a été le plus grand accomplissement ou le plus grand obstacle que vous ayez rencontré lors de votre parcours ?

La post-production, certainement. Je n’ai jamais étudié la photographie dans le cadre de mes études et je n’ai jamais pris de cours. L’édition de mes photos était donc très difficile pour moi au début. J’ai fini par trouver mon style, identifier ce que j’aime vraiment et j’ai suivi cette direction. Aujourd’hui, j’aime toujours autant apprendre et me former dans ce domaine.

Par qui ou par quoi êtes vous le plus inspiré ?

Il est difficile de mettre le doigt sur un aspect précis. Bien sûr, certains photographes sont très inspirants. Mais je préfère malgré tout suivre les aventures de certains grands athlètes au bout du monde. Cela me donne la motivation nécessaire pour continuer d’explorer et d’aller toujours plus loin.

Quelle est votre démarche ? Existe-t-il un aspect que vous cherchez à réaliser lors de vos prises de vue (par exemple, créer certaines émotions, etc.), ou y a-t-il des techniques spécifiques que vous utilisez ?

J’essaie systématiquement de me concentrer sur les lignes du paysage que je photographie et sur un sujet précis qui équilibre l’échelle de l’image. En photo de sport, je cherche à donner une impression d’instabilité, d’absence de limites. C’est souvent génial de donner cette sensation de tension. Mais il est important de bien s’organiser et de ne jamais se mettre en danger physique.

Pourquoi la précision des couleurs est-elle importante dans votre travail ?

J’ai trouvé une palette de couleurs caractéristique qui exprime et représente ma photographie. Les gens peuvent facilement identifier mon travail. C’est pourquoi il est capital que mes photos reflètent toujours ces couleurs qui font mon identité. La précision des couleurs sur l’ensemble de mes moniteurs est donc fondamentale.

Des conseils ou des astuces pour les photographes qui débutent leur carrière ?

« Il est capital que mes photos reflètent toujours ces couleurs qui font mon identité. La précision des couleurs sur l’ensemble de mes moniteurs est donc fondamentale. »

À propos de l’auteur – Camilla Pizzini

Camilla Pizzini est née en 1996 à Rovereto dans le Trentin-Haut-Adige, Italie. Depuis l’enfance, elle est amoureuse de la photographie. Elle a obtenu une licence de design à l’Université libre de Bozen-Bolzano qui lui a permis d’étendre ses connaissances en communication visuelle et en art contemporain.
Elle travaille depuis comme photographe sur des commandes commerciales (entreprises, événementiel, portrait, sport et nature) et sur ses projets personnels.
Elle tire son inspiration des grands espaces, de la montagne et de ses activités sportives.

Type de photographie : Nature, paysages, sport

La guide et skieuse extrême Vivian Bruchez lors de la décente en rappel de la Dent du Géant au coucher du soleil, Chamonix, France.

J’ai commencé la photo peu après mes vingt ans, quand j’ai découvert l’escalade. J’utilisais au départ un petit appareil photo très simple. Je me rappelle avoir été frustré par le décalage entre les scènes incroyables auxquelles j’assistais au cours de mes aventures et les photos ternes que j’en rapportais. J’ai commencé à prêter plus d’attention au travail photographique et à emporter avec moi un reflex numérique pour la plupart de mes expéditions. Cela m’a motivé à pousser mes aventures toujours plus haut et toujours plus loin; Quelques années plus tard, j’ai quitté mon travail dans l’informatique pour devenir photographe à plein temps.

Deux parapentistes près du Montenvers après avoir survolé la Vallée Blanche, Chamonix, France.

Un skieur contemple la Vallée Blanche depuis le pied de la chaîne de l’Aiguille du Midi, Chamonix, France.

Deux escaladeurs regardent vers l’Italie sur le Col du Tour Noir, Chamonix, France.

Ces cinq dernières années, je me suis également lancé dans la photographie humanitaire, en particulier dans les reportages sur les réfugiés et sur le développement. Il était devenu important pour moi de diversifier mes sujets et ma façon de les raconter. Cela m’aide à apporter un aspect plus propre, un peu plus commercial, aux reportages humanitaires et, par ailleurs, un côté plus humain à mon travail d’aventure.

L’un des plus grands obstacles que j’aie pu rencontrer en cherchant à gagner ma vie en tant que photographe est le besoin constant de me réinventer. Il n’y a pas de « sommet » à atteindre, un endroit où il vous suffirait de vous reposer et d’attendre que le travail vienne à vous. Vous devez rester en réflexion constante, inventer des choses auxquelles personne n’a encore pensé et distinguer votre travail. C’est passionnant et épuisant ; tout dépend de mon humeur du jour.

Un camp destiné aux alpinistes s’attaquant à la Dent du Géant, près des Aiguilles Marbrées, Chamonix, France.

Nic Mullin descend de l’Aiguille du Plan vers l’Aiguille du Midi et le Mont Blanc du Tacul, Chamonix, France.

Un splitboarder sur le Glacier du Géant dans une tempête, Chamonix, France.

Mais j’ai une dette énorme envers certains très grands photographes documentaires : David Burnett, Éric Bouvet, Nick Ut, Don McCullin, Chris Hondros, Carol Guzy ou Tim Hetherington. Je suis également très inspiré par les œuvres plus contemporaines de Danielle Villesana, Kiliii Yuyan et Ismail Ferdous.

Deux alpinistes au sommet des Aiguilles Marbrées admirent le panorama de la face Est du Mont Blanc, Chamonix, France.

Vue aérienne des Aiguilles de Chamonix au coucher du soleil, Chamonix, France.

Une équipe d’athlètes réfugiés rentre au camp de réfugiés de Kakuma, au Kenya.

Mon premier principe est de me concentrer sur les émotions que ressent la personne que je photographie. Aujourd’hui, je m’intéresse beaucoup plus au côté humain qu’aux mouvements extrêmes ou à l’action proprement dite.

Une équipe encordée escalade les Aiguilles d’Entrèves, devant un Val d’Aoste englouti sous les nuages, Chamonix, France.

Alex utilise un SpyderX pour contrôler ses couleurs

Une équipe de coureurs traverse l’immense glacier Tyndall au premier jour de la Patagonian Expedition Race 2013, Torres del Paine, Chili.

Je recommanderais de prendre beaucoup de photos, dans de nombreux domaines, jusqu’à trouver ce qui vous passionne réellement. Et même lorsque vous aurez trouvé votre sujet de prédilection, continuez à prendre des portraits, des voitures, des aliments, de l’événementiel… Et ce même si vous voulez vous consacrer aux paysages. Cela vous aidera non seulement à affiner votre œil, mais cela vous donnera également de nouvelles idées qui vous aideront à photographier vos sujets préférés.

Type de photographie : aventure, paysages, humanitaire